Fuoriclasse dell’arte concreta geometrica, protagonista d’avanguardia negli anni sessanta, per ragioni ideologiche negli anni ottanta matura una decisione controcorrente: si allontana dalle esposizioni nelle gallerie private e dal sistema dell’arte per dedicarsi alla ricerca personale, libera da ogni vincolo e condizionamento. Una scelta radicale che ora riceve una deroga meditata, consapevole e motivata.

Alla mia domanda: “Come ti definisci riguardo allo sviluppo del tuo lavoro?” Pievani, senza alcuna esitazione risponde “Pittore”.

Non è facile accettare tale definizione senza qualche perplessità, poiché la pittura nel senso più tradizionale del termine, quella che implica una connotazione gestuale o per lo meno materica, Pievani l’ha abbandonata alla fine degli anni cinquanta. Gli immacolati legni laccati delle Composizioni in bianco e delle Superfici che realizza dagli anni sessanta, i piombi, i ferri delle Composizioni dell’ultimo quindicennio possiedono una forte vocazione scultorea, si potrebbe dire architettonica per l’evidente propensione alla conquista dello spazio. Ma lui persiste imperterrito a considerarsi “pittore”, andando implicitamente, e forse ironicamente, a sovvertire quella meravigliosa, utopistica concezione di unità delle arti – architettura, pittura, scultura – a cui invece, e ne è ben consapevole, anela la sua intera ricerca.

I lavori di Pievani sono da intendersi “progetti”, anche quando capita di trovarli collocati in un salotto. Progetti che – se fosse sempre possibile come a volte lo è stato – aspirerebbero all’espansione per potersi incastonare in un più ampio programma architettonico all’interno di un programma coordinato di “arte totale” che affonda le radici nei cantieri delle grandi cattedrali medievali dove architetti, artisti e maestranze lavoravano coralmente, si spinge fino al Bauhaus e transita infine nelle contemporanee realizzazioni site-specific.

Nella serie ideata per questa mostra, Pievani ha lavorato con metodo progettuale attraverso una sequenza concatenata e il procedimento, o meglio il processo creativo, è rimasto a lungo nella fase di work in progress. Potenzialmente la serie tende all’infinito, come le combinazioni di un divertissement della massima serietà nel quale la “forma”, è importante sottolinearlo, diventa il “contenuto”, specchio di equilibri e verità superiori.

Essendo la geometria euclidea l’ambito nel quale egli si muove, è corretto parlare di geometrie generative che qui trovano il punto d’arrivo di una ricerca iniziata molto tempo fa.  In matematica l’isometria (dal greco, iσoç, isos, che significa uguale) è una nozione che generalizza quella di movimento rigido di un oggetto o di una figura geometrica. Generalmente le isometrie preservano, oltre alle distanze, altri concetti geometrici come angoli, aree, lunghezze. Nella serie presentata in mostra il primo elemento della progressione (che corrisponde cronologicamente alla prima opera realizzata) è l’archetipo che permette di generare gli elementi successivi sulla base di minime variazioni rotatorie, traslative o riflessive nel piano, con attenzione alla scansione ritmica.

Tradizionalmente la geometria incarna l’idea del pensiero astratto, della ricerca scientifica, del cerebralismo e, teoricamente, non dovrebbe produrre stati emotivi, passioni, trasporto interiore. Dico teoricamente perché nel caso di Pievani la tradizione viene di nuovo disattesa. Alla fine degli anni cinquanta l’artista sembra disfarsi completamente dell’esperienza informale dei Cementi per dedicarsi alle levigate Superfici a lamine giustapposte, quasi asettiche nella loro ascetica bellezza, talmente perfette da dissimulare l’intervento umano. Le opere dell’ultimo quindicennio rappresentano invece un inatteso cambiamento, compiutamente espresso nelle Composizioni in piombo, ferro, legno, tempera, materiale tessile e plastico. Mentre la struttura volumetrica resta inalterata nella tensione verso la perfezione – confermando le autonome proprietà semantiche della linea, del colore, della forma e dei valori plastici non descrittivi che la ricerca precedente aveva portato alla luce – l’esterno delle masse si risolve in un’epidermide sensibile, pittorica, viva e reattiva, quasi biologica. Essa pare riacquistare la memoria dell’informale attraverso lievi tracce che cessano di occultare i segni del tempo, del caso e del lavoro umano anzi, ne evidenziano proprio l’esistenza svelando graffi, screziature, ombre, impronte. Forme geometriche le cui superfici richiamano fossili millenari, protostorici reperti, manufatti archeologici. Sembrerebbe un lasciarsi prendere dal ricordo, da una vena malinconica che favorisce la meditazione sulla caducità di ciò che è terreno ed effimero, in una sorta di inconsueta vanitas post-moderna. Il lavoro di questi ultimi anni pare entrare così in una dimensione più profondamente e autenticamente umana, nella quale sotterranee forze eterogenee cercano di convivere, in eterna lotta.